Colagem


Eba! Primeiro trabalho prático pronto deste terceiro ano de faculdade!!

Na aula de edição de rádio eu e minha dupla (como sempre a Bruna Marques) fizemos uma colagem de 3 minutos com sons e músicas. A ideia do professor era brincar com colagem mesmo.

Não precisava ser uma narrativa, mas tinha que ter começo, meio e fim.

Pois bem, soltamos a nossa imaginação e eis o que saiu.

Não vou falar aqui porque fizemos assim, quero ouvir o que você entendeu desta colagem.

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Semana Hitchcock – Parte final


Planos dentro da banheira

1.       Plano fechado – Marion de ombros para cima e de frente para a câmera se ensaboando. Ela liga o chuveiro e a água começa a cair.

2.       Plano detalhe do chuveiro derrubando água

3.       Plano fechado – mesmo enquadramento de Marion no primeiro item, ela se enxaguando.

4.       Plano fechado na lateral de Marion com o chuveiro à esquerda da tela e ela à direita. A personagem se ensaboa e se molha.

5.       Plano detalhe do mesmo enquadramento anterior, mais próximo da personagem.  Ela esta na diagonal da câmera e continua a se ensaboar.

6.       Plano fechado da lateral do chuveiro – vemos a água caindo.

7.       Contra-plano fechado, vemos Marion recebendo a água de olhos fechados.

8.       Plano fechado com Marion em primeiro plano se enxaguando e em destaque a cortina atrás dela ocupa a maior parte do enquadramento.  Há um leve contra luz que rebate na cabeça de Marion vindo por trás da cortina que marca a silhueta da atriz e a destaca do fundo.  Conforme a sombra do assassino se aproxima, o mesmo ocorre com a câmera dando a impressão de que somos impulsionados para a tela para entender o que está chegando.  O quadro fecha com o rosto de Marion no canto inferior direito da tela.  A sombra na cortina ocupa a maior parte do enquadramento e está na centralizada um pouco mais para a esquerda.  Marion é retirada do plano e a câmera se aproxima mais da cortina. A partir daqui vemos a silhueta perfeita de uma pessoa da cabeça até a barriga. A personagem se aproxima, levanta a mão direita e abre a cortina.  Quando a cortina é aberta, vemos só a silhueta do assassino causada pela contraluz e falta da key light. O assassino segura uma faca com a mão direita. No exato momento em que esse estranho, que está com uma faca na mão, abre a cortina rapidamente, a música volta. Não é mais aquela sensação que tínhamos anteriormente. Os violinos utilizados na música marcam exatamente as facadas que o assassino está dando na personagem. Além disso, os gritos aumentam o terror. Segundo Brener, Herrman causa isso por causa do ostinato, repetição constante de um motivo (melódico, harmônico ou rítmico), figura definida ritmicamente, repetitiva, persistente em geral no mesmo registro e na mesma intensidade. Esta repetição causa a tensão e ela aparece na música casada com as facadas do assassino.

9.       Plano fechado – Marion de ombros para cima vira assustada e nota a presença de seu assassino.

10.   Plano detalhe de seu rosto à direita da tela assustado e gritando.

11.   Plano super detalhe da boca de Marion gritando.

12.   Plano fechado contra-plongée do assassino na diagonal com a menção de esfaquear. Em primeiro plano, vemos a água do chuveiro. Não conseguimos ver o rosto do assassino nem as características da roupa e feições por causa da contra luz.

13.   Contra plano plongée – Marion, de ombros para cima e um leve teto recebe a primeira facada. A luz vem da direita para a esquerda, no mesmo sentido da facada.

14.   Plano fechado normal – assassino com contra luz acentuado preparando mais uma facada.

15.   Plano fechado plongée – aparece parte do assassino tentando dar outra facada, a cortina da banheira. É um dos planos mais curtos que só é percebido se prestado bem atenção.

16.   Plano fechado plongée visto de cima – O braço do assassino invade a banheira e parte do corpo também aparece, mas ele fica de costas para a câmera.  Marion está nua, mas por causa da água do chuveiro, cortina e da rapidez da cena nada é mostrado.  Nem mesmo o rosto de Marion, uma vez que ela esconde ao mesmo tempo em que tenta se defender da facada.

17.   Plano super detalhe do rosto dela gritando sem a preocupação de seguir o movimento dela. A câmera fica estática e Marion até sai e volta de quadro.

18.   Plano fechado plongée – Marion à direita da tela e a mão do assassino invade o enquadramento tentando esfaqueá-la. Ela tenta se proteger.  A luz deixa as formas ressaltadas.

19.   Plano detalhe do rosto de Marion gritando, com ênfase do nariz ao queixo da personagem.

20.   Volta para o plano 18, mas Marion está mais afastada e vemos a faca em primeiro plano tentando acertar a personagem e seu corpo está meio desfocado.

21.   Plano fechado do assassino visto de frente em segundo plano. Em primeiro plano está a chuva que ajuda a contra luz a manter o clima de suspense sobre a identidade do personagem.  A luz atrás aumenta a profundidade de campo, destacando o personagem do fundo.  Ele tenta outra facada.

22.   Plano fechado do rosto de Marion atrás da água caindo tentando escapar da facada.  Ela até sai do enquadramento.

23.   Plano detalhe do assassino se aproximando da tela como se aproxima da vítima.

24.   Plano super detalhe do pescoço de Marion tentando se esquivar de outra facada.

25.   Plano detalhe da água do chuveiro caindo e em segundo plano o rosto do assassino desfocado.

26.   Plano super detalhe desfocado do rosto de Marion e sua mão tentando escapar de outra facada.

27.   Plano detalhe da água do chuveiro caindo e em segundo plano o rosto do assassino desfocado.

28.   Plano super detalhe desfocado do rosto de Marion e sua mão tentando escapar de outra facada.

29.   Plano detalhe da água do chuveiro caindo e em segundo plano o rosto do assassino desfocado.  A facada é dada de frente e atravessa o chuveiro vindo direito ao telespectador.

30.   Plano fechado da barriga de Marion recebendo outra facada.

31.   Plano super detalhe do rosto de Marion tentando escapar de outra facada. Ela está no canto direito e sai de enquadramento.

32.   Plano fechado contra plongée do teto para destacar a facada do assassino que vem da direita para a esquerda da tela.

33.   Plano fechado das costas de Marion à esquerda da tela recebendo a facada pela direita da tela.  A personagem está em primeiro plano e o braço do assassino em segundo plano.  A contra luz está mais forte que a key light.

34.   Plano fechado do rosto de Marion mais para esquerda do quadro gritando e tentando espantar a facada de si.

35.   Plano detalhe plongée das pernas de Marion, dos joelhos para baixo com parte do chão da banheira mostrado para sinalizar o sangue escorrendo junto com a água.

36.   Plano super detalhe de Marion gritando e virando o rosto tentando se defender.

37.   O plano anterior recebe um corte e é aberto, mostrando Marion com o corpo virado para frente e o rosto para trás. A iluminação vem da direita para esquerda e a imagem quase não tem destaque do fundo, como se ela tivesse se desintegrando na parede.  Ela vira de costas e recebe outra facada.

38.   Plano detalhe plongée das pernas de Marion, das coxas para baixo, sem mostrar os pés, sinalizando a agitação da personagem.

39.   Plano super detalhe da parede e a mão de Marion aparece no centro da tela desfocado. E logo sai.

40.   Plano fechado, Marion aparece de costas do pescoço à cabeça, levantando a mão como se tivesse se rendido.

A música combina muito bem com os gritos de Marion e os cortes de câmera que Hitchcock utilizou no momento do assassinato. Isso acontece em 24 segundos, então a música muda de tom, passando para algo mais desesperador, que nos causa dó e ao mesmo tempo agonia, não sabemos o que irá acontecer com a personagem agora. Ficamos imaginando se ela irá morrer, se ela irá sobreviver e ficar sofrendo ainda mais, se alguém irá chegar ou até mesmo se alguém irá chegar para socorrê-la.

41.   Plano americano contra-plongée com a água do chuveiro em primeiro plano e o assassino sai pela porta que está no meio do enquadramento.  A fill light aparece em equilíbrio com a key e a contra luz o que permite notar a figura de uma mulher de roupão e cabelos presos como autora do assassinato de Marion.

42.   Plano super detalhe da mão de Marion na parede escorregando como escorre a água do chuveiro. A mão vai saindo de quadro.

43.   Plano fechado de Marion de costas para a câmera olhando para a sua mão e ela vai escorregando para o chão conforme a água vai caindo. A iluminação ressalta que seu rosto está se difundindo com a parede, quase morrendo. Ela vira para frente da câmera e a vemos no canto direito, escorregando. A câmera acompanha o movimento. Seu rosto está disfarçado pela água que continua em primeiro plano.  Ela tenta esticar a mão como um sinal de ajuda e a câmera vai se afastando dela. Marion não morreu ainda, está sofrendo com os ferimentos e caindo na banheira, se retorcendo, enquanto a música nos causa a mesma sensação

44.   Plano detalhe de sua mão puxando a cortina da banheira.

45.   Plano aberto visto de cima da banheira, Marion puxa a cortina. Sua nudez é disfarçada pela constante queda da água.

46.   Plano detalhe do carrilho da cortina da banheira. Marion puxa a cortina que arrebenta. Vemos só os ganchos enquanto ela arranca.

47.   Plano detalhe do chão, a parte da frente do corpo de Marion aparece junto com a cortina. Ela cai no chão. Vemos seu cotovelo e parte da cabeça. O restante do corpo está coberto pela cortina. Enquanto isso a música vai abaixando e no exato momento em que a personagem cai morta e música para e só conseguimos ouvir o barulho da água caindo do chuveiro.

48.   Plano detalhe do chuveiro derrubando água. O silêncio é preenchido pelo barulho da água.

49.   Plano detalhe das pernas de Marion e a água escorrendo. A câmera movimenta conforme o sangue vai escoando e segue até o ralo. A câmera se aproxima do ralo e o preenche em todo o enquadramento.

50.   Primeira fusão da cena do ralo para plano detalhe do olho da personagem caída no chão. A câmera faz um movimento circular e vai se afastando do olho da personagem até mostrar seu rosto por completo e parte do chão.

51.   Plano fechado do chuveiro visto da lateral ainda ligado.

52.   Plano fechado dela deitada no chão. A câmera faz um pan para a direita indo até a porta.  Entra no quarto, passa pela cama e focaliza o jornal em cima do criado-mudo. Detalhes mostrados que mais tarde será um mistério a ser revelado pelos personagens.

A cena analisada nesse artigo, tal como o diretor do filme Psicose, Alfred Hitchcock, foi considerada um marco na história do cinema. Ele inaugurou um gênero que até hoje é copiado por muitos cineastas. Depois dos filmes dele apareceram outros utilizados sempre suas técnicas de construção do suspense. Por isso sua carreira e seus filmes podem ser considerados geniais e indispensáveis nos estudos cinematográficos.

O filme e a cena analisada são uns dos melhores que o cinema já teve, porque fizeram história. E até mesmo a trilha sonora é lembrada e utilizada até hoje quando se pretende dar a ideia de suspense ou causar um medo maior, chegando ao terror.  Em entrevista a Truffaut, Hitchcock fiz que acreditasse que o sucesso do filme se deu porque as pessoas são voyeurs por natureza, por isso ele gostava de brincar com enquadramentos, iluminação e a trilha para direcionar ou enganar o telespectador na medida em que ele queria. São poucos os diretores que hoje conseguem alcançar isso. Eis o legado de Alfred Hitchcock, o mestre do suspense.
Bibliografia

ARAÚJO, Inácio. Alfred Hitchcock: o mestre do medo. São Paulo: Editora Brasiliense, 1984

BRENER, Rosinha Ida Spiewak. A construção do suspense: a música nos filmes de Alfred Hitchcock. Doutorado da Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, 2001 (PUC-SP)

TRUFFAUT, François. Hitchcock, Truffaut entrevistas. São Paulo: Editora Brasiliense, 1988

Leia a parte 3
Leia a parte 2
Leia a parte 1

Semana Hitchcock – Parte 3


A cena mais famosa do filme é chamada de cena do chuveiro. Ela tem apenas 45 segundos e 71 posições de câmera. Mas o suspense inicia alguns momentos antes, totalizando quase 4 minutos de tensão ao espectador.

A trilha é assinada por Bernard Herrman, compositor musical que teve uma parceria com Alfred Hitchcock de 1955 a 1966. A parceria foi importante uma vez que, nas palavras do diretor, a música de Herrman foi perfeita uma vez que ela teve a força para intensificar o suspense da cena. (A construção do suspense: a música nos filmes de Alfred Hitchcock).

Inicia com a personagem Marion sentada em uma cadeira em frente a uma escrivaninha. A trilha dá a impressão de que ela está fazendo algo de errado. Ela está tensa e não sabe muito bem o que fazer com aquele dinheiro.

A música causa certa inquietação, pois conseguimos imaginar como ela está se sentindo perdida e desorientada com a atitude que tomou. Vemos a personagem em plano médio com a iluminação lateral, causando uma pequena sombra da cabeça da personagem na cortina.

Logo em seguida, há um corte para plano detalhe dela anotando umas contas em um caderno Abaixo deste caderno, há uma folha de balancete de banco.

O plano volta a ser médio e a personagem rasga o papel. Levanta de sua mesa e em plano-sequência, ela caminha até o banheiro. Há um corte para a entrada do banheiro e em plano geral a personagem está de pé.

Corta para plano detalhe enquanto ela joga o papel na privada. A tensão da trilha aumenta quando a música para e ouvimos só o barulho dela se preparando para o banho.

Em plano fechado, vemos a partir de seus ombros, a vemosela dando descarga e fechando a porta do banheiro. Ela tira o robe em dois planos, ombros para cima e joelhos para baixo em um clima mais erótico.

Ela entra na banheira em pé e fecha a cortina. A partir daqui o plano é mais aberto e vemos sua sombra enquanto toma banho.  Enquanto isso só conseguimos ouvir os sons dos objetos de cena.

Nesse caso o silêncio na cena nos causa o suspense, dando um realce nas trilhas utilizadas antes e depois. Ficamos tentando imaginar o que virá a seguir e então quando vemos algo se aproximar da cortina do chuveiro que está fechada, ficamos ainda mais tensos. Dentro da banheira, conseguimos contar apenas 58 cortes.

Leia a parte 02
Leia a parte 01

Amanhã tem mais

Semana Hitchock – Parte 2


O filme Psicose longa foi lançado em 1960 e não foi um filme caro nas palavras do diretor. Dirigido e produzido por Alfred Hitchcock, foi criticado por não ter o roteiro como destaque, mas sim por ressaltar elementos que antes serviam como base para o cinema: montagem, iluminação e trilha sonora.

Psicose conta a história de Marion, uma mulher que podia ser considerada moderna quando comparada a mulheres que viviam na mesma época. Tinha relações frequentemente com um homem sem que fossem casados e trabalhava em uma imobiliária, quando um dia seu chefe pede a ela que deposite uma quantia alta de dinheiro no banco, mas Marion não o fez. Pegou alguns pertences e resolveu fugir.

No meio do caminho troca seu carro, talvez para não acharem ela tão facilmente. Chegando em um motel de beira de estrada, que ninguém ia há muito tempo, ela resolve se hospedar por uma noite. Encontra então Normam Bates, responsável pelo local. Os dois conversam bastante, tomam lanche juntos até o momento no qual ela se acomoda em um dos quartos.

Bates a espia por um buraquinho que dava da parede de seu escritório para o quarto em que ela estava. O dono do motel apresentava comportamento estranho, pois era dominado por sua mãe idosa, a misteriosa personagem que não aparece claramente até o final do filme.

Em seu quarto, Marion faz algumas contas com o dinheiro que tinha roubado e resolve tomar um banho. Tudo parece calmo até que alguém inesperadamente, que não conseguimos ver o rosto, entra no banheiro com uma faca e esfaqueia a loira até a morte. Esse é o grande mistério de todo o filme para os outros personagens envolvidos, o grande choque que o diretor conseguiu trazer a todos os espectadores.

No prefácio do livro “Hitchcock Truffaut, entrevistas”, Ismail Xavier destaca que o suspense do diretor é diferente do suspenses comuns, pois é psicológico, “apoiado na pura dimensão do olhar, quando o que parece ser uma configuração de rotina, a paisagem, a rua ou a casa de todo dia, de repente se revela uma anomalia, uma mancha, um ponto de incongruência que atiça a percepção e aguça as expectativas, suscita indagações” (p. 17) isto é claramente visto em Psicose, uma vez que Hitchcock desvia a atenção do espectador para saber se a moça será pega ou não e o assassinato dela é inesperado.

Ele causa isso com a demora das cenas iniciais e por frisar a importância dos 40 mil dólares e no final, o dinheiro é jogado junto com a moça e o carro no pântano. Ou seja, todos os detalhes mostrados no início despreparam o telespectador daquilo que está por vir. “Foi de propósito que matei a estrela, pois assim o crime era mais inesperado ainda”, diz o cineasta no mesmo livro durante a entrevista a Truffaut (pag. 275).

François Truffaut aponta que em Psicose, Hitchcock utilizou elementos de terror que normalmente não aparecem em seus filmes como a mansão velha, ambiente misterioso. Em contrapartida, Hitchcock justifica que este é um estilo gótico da Califórnia e como o filme se passa em Phoenix, essas características já estão presentes na cidade, mesmo se fosse uma comédia.

“Não iniciei o meu trabalho tencionando a reproduzir a atmosfera de um velho filme de terror da Universal, queria apenas ser autêntico. Ora não há a menor dúvida, a casa é uma reprodução fiel de uma casa verdadeira, e o motel também é uma cópia exata” responde o diretor na mesma entrevista. ( pg. 274).

Assim, é a forma como a mise-en-scene, posições de câmera, gestos e olhares dos personagens que irá revelar o fluxo subterrâneo de interesses e emoções, o que está além do que se expõe nos diálogos, explica Ismail Xavier.

Este estudioso diz que o cinema puro se dá quando a lógica das imagens e sons diz mais sobre a verdade dos comportamentos do que a superfície do enredo. “Em Psicose, o que me importa é a montagem dos fragmentos de filme, a fotografia, a trilha, sonora e tudo o que e puramente técnico. (…)Para mim é apaixonante utilizar a câmera a fim de desorientar o público”, aponta Alfred Hitchock ao falar sobre o filme com François Truffaut.

Veja parte 1

Amanhã tem a parte 03

Semana Hitchock


Mais uma vez realizei um trabalho com a Bruna Marques para a faculdade. Desta vez nos aventuramos em analisar a cena do chuveiro em Psicose, de Alfred Hitchock. Como o texto ficou gigante, decidi publicar aos poucos durante essa semana.

Vamos para a primeira parte?

O suspense no chuveiro de Hitchcok – parte 001

O objetivo deste artigo é observar como a cena do chuveiro em Psicose (Pshyco, 1960), do cineasta Alfred Hitchcock pode ser uma representação do modo como este cineasta cria o clima de suspense a partir da junção da montagem de cenas, iluminação e também trilha sonora.

Para realizar este trabalho, ousamos em analisar a cena a partir dos nossos conhecimentos sobre o diretor, filme, contexto histórico com base nos seguintes livros: “Alfred Hitchcock: o mestre do medo”, por Inácio Araújo, “Hitchcock Truffaut – Entrevistas, de François Truffaut e o doutorado de comunicação e semiótica da Pontifícia Universidade Católica de São Paulo (PUC-SP) realizado em 2001 por Rosinha Ida Spiewak Brener intitulado “A construção do suspense: a música nos filmes de Alfred Hitchcock”.

Sem contar o estudo e às referências dadas pelo professor Marco Vale durante o primeiro ano da faculdade de Rádio e TV na Cásper Líbero sob a disciplina Elementos da linguagem audiovisual (cinema) no ano de 2009.

Nascido em 1899 em Londres, Alfred Hitchcock ficou conhecido como “o mestre do medo”. Seu primeiro filme foi “The pleasure Garden” (1926), que tinha influências de Murnau, como por exemplo, a falsa perspectiva, algo que utilizou em muitos outros trabalhos ao longo de sua carreira.

Mas foi com “The Lodger”, que começou a firmar seu estilo como cineasta, o suspense, “(…) o primeiro filme de suspense, a invenção deste que é o único gênero essencialmente cinematográfico, e o início do que seria na verdade o seu estilo de filmar.” (ARAÚJO, Inácio, 1982, p.20).

Todos os recursos cinematográficos que utilizava em seus filmes tinham algum propósito. “(…) podemos ver que cada deslocamento de câmera, cada detalhe à primeira vista pode parecer insignificante, na verdade são o que realmente faz a respiração da obra” (idem, p.23).

Foi então a partir de 1956 que Hitchcock já contava com uma equipe fixa, entre essas pessoas estava a música Bernard Herrmann, que compôs as trilhas de três principais filmes da carreira do diretor: “Um corpo que cai” (1958), “Intriga Internacional” (1959) e “Psicose” (1960), um de seus filmes de maior sucesso.

Em Psicose, os movimentos de câmera, iluminação, enquadramentos e o que ficou mais conhecido no filme, a trilha sonora de Bernard Herrmann, são essenciais na construção do suspense.

“Se a introdução do som não era uma questão vital para o gênero, pelo menos só servia para enriquecê-lo: á música, a voz, os ruídos, os silêncios constituindo elementos tão importantes quanto a imagem” (ibidem, p. 35-36).

 

Amanhã tem mais =)

Dogville e a influência de Brecht


Mais um vez trago um trabalho que fiz com a Bruna Marques e Mayara Picoli para a Cásper Líbero. Desta vez, tínhamos que encontrar algum filme que apresentasse características do dramaturgo Bertolt Brecht e analisar como apareciam no cinema. Pois bem, escolhemos Dogville (2003), dirigido por Lars Von Trier.

Já vale lembrar que se você não gosta de spoilers,  pare de ler agora.

Antes de começar, confira o trailer do filme.

Quando o cinema nasceu com os irmãos Lumière, acreditava-se que ele servia pura e simplesmente para retratar a realidade. Com os planos gerais e câmeras fixas, víamos toda a ação acontecendo diante de nós como se fôssemos a quarta parede de uma sala, justamente como acontecia com o teatro clássico. Não demorou muito para que o cinema conseguisse a sua própria linguagem e inovasse com o passar do tempo.

O modelo clássico é o mais seguido e referenciado, assim como aconteceu no teatro. Cenários exuberantes, atores famosos e trilhas encantadoras nos fazem mergulhar de tal forma na tela que nem percebemos que tudo não passa de uma montagem de imagens que, unidas, fazem algum sentido. Às vezes até esquecemos dos planos e enquadramentos e nos vemos ali no meio da história.

Como Alfred Hitchcock já disse inúmeras vezes, o ser humano é voyeur e é isto que garante que as pessoas fiquem horas diante de uma tela sendo enfeitiçados pela história.  De certa forma, este encantamento também apareceu no teatro clássico. Mesmo com a distância da poltrona ao palco, somos engolidos pela fantasia de tal forma que pertencemos a ela.

O que vemos ali, no palco ou na tela, não chega a ser um retrato da realidade, como os criadores do cinema acreditavam, mas mesmo assim tendemos a acreditar que aquilo é real.

Entretanto, existiu um escritor e dramaturgo alemão que decidiu quebrar este paradigma de representação da realidade e nos lembrar constantatemente de que o que estamos vendo é uma peça de teatro: Bertolt Brecht. Para ilustrar as suas ideias, escolhemos o filme Dogville (2003), dirigido por Lars von Trier.

A maneira utilizada para filmar Dogville é o aspecto mais característico de Brecht. O filme foi rodado em um estúdio fechado e sem cenário, apenas com riscos desenhados no chão representando as casas e ruas do vilarejo. Até o cachorro é um desenho no chão, bem como a referência à cadeira de descanso e os arbustos, uma clara referência também ao cachimbo de Magritte.Isso já questiona se o que vemos é de fato a realidade ou uma representação dela.

No cinema e no teatro, isso nos faz lembrar que estamos assistindo a uma peça/filme e não que estamos vendo a história real.

Os atores circulam sobre a planta da cidade e atuam como se houvesse objetos invisíveis aos nossos olhos, sem paredes e portas, apenas com alguns móveis. É como uma criança que brinca de faz de conta e desenha uma casa no chão e passa a atuar nela como se fosse real.

A sonoplastia ajuda nossa imaginação quando a porta realmente faz barulho ao ser aberta pelos personagens.

Esta estética usada no filme mantém o espectador sempre ciente de que é uma representação da realidade. Todo filme foi gravado em um galpão da Suécia, o que remete ao teatro caixa preta de Brecht enquanto que a atuação dos atores com os objetos imaginários remete ao teatro do absurdo do dramaturgo.

Dogville é um pequeno vilarejo isolado no alto das montanhas e de difícil acesso. A história mostra a rotina sossegada dos poucos habitantes do lugar, cada um com suas manias e conformismo. Thomas Edson Jr. é o único personagem que não se conforma com a situação pacata das pessoas e promove reuniões moralistas para comunidade refletir sobre suas ações, com o intuito de promover o bem no mundo.

O nome Dogville significa vila do cão, mas em um sentido mais subjetivo, diz que os habitantes desta vila agem como cães por instinto uma vez que o contexto da Grande Depressão trouxe miséria a algumas cidades. Brecht ressaltava que as causas podem levar às consequências diferentes porque o ser humano é capaz de fazer escolhas, vê-se isso em Dogville pela submissão de Grace e depois pela vingança.

Baseada no distanciamento entre público e personagem proposto por Brecht, o filme trabalha a história como um componente para reflexão e didática, apresentando um caráter não-ilusório e colocando os espectadores fora de ação para interromper identificações.

As ações acontecem frente às câmeras e, simultaneamente, as outras casas e personagens são exibidas ao fundo, provocando estranheza para quem assiste, mas é a melhor maneira de interromper a ilusão e trazer reflexão, pois acentua momentos dramáticos.

A narração em “off” acentua ainda mais que se trata de uma história sendo contada ao público, assim com a divisão em capítulos, que se assemelha ao teatro e à história, ou seja, é  o narrador quem controla e da voz aos personagens. Brecht tinha um narrador que interrompia a ação e Von Trier também faz isso, comandando às vezes até a fala do personagem.

A principal característica encontrada no filme é a descontinuidade. Fica bem aparente como o diretor faz isso, pois coloca um letreiro informando o número do capítulo e o que irá acontecer, algo que é comum ao teatro Brechtiano. Enquanto muitos buscavam fazer as pessoas se sentirem no filme, Brecht fazia de tudo para que isso não acontecesse em suas peças.

No filme, apesar de seguir uma ordem cronológica dos fatos a divisão dos capítulos causa uma quebra, fazendo com que nos lembramos de que estamos assistindo a um filme. Nos momentos em que começamos a nos acostumar e ficamos compenetrados, os letreiros aparecem fazendo-nos lembrar de que aquilo não é real, é apenas uma história.

Por mais que os cenários não sejam comuns, chega a certo ponto no filme em que nos esquecemos disso, o cenário fica algo insignificante e nos tornamos atraídos pela narrativa. Quando aparece o número do capítulo, nossa concentração acaba por um momento e voltamos à realidade.

Devido a sua experiência de vida, Brecht adquiriu uma posição de luta pelos oprimidos, retratava de forma cênica as diferenças entre classes sociais e a injustiça do mundo. Podemos identificar essa estética na obra “O círculo de giz caucasiano”, onde a protagonista Grucha luta por Miguel, o menino de sangue real abandonado, o qual ela salvou da guerra e adotou com filho.

Nesta peça, Brecht representa as diferenças entre ricos e pobres e o caráter social deles. Ele sempre abordou temas que pudessem ser reconhecidos pelos espectadores e que trouxessem subjetividade.

Já notamos semelhanças entre o livro e o filme. A primeira referência se dá que o primeiro trata da situação das pessoas durante a Revolução Russa e o segundo da Grande Depressão. De certa forma, Von Trier e Brecht abordam a reação das pessoas simples diante de eventos de grande magnitude nos quais eles só fazem parte do cenário e não possuem voz ativa.

Em relação às personagens, há certa semelhança entre a personagem Grucha do livro “O círculo de giz caucasiano de Brecht” e Grace do filme “Dogville”. As duas estão durante toda a história fugindo de alguém. A diferença é que com Grucha conseguimos saber de quem e o motivo de sua fuga, já com Grace sabemos de quem ela foge, mas o porquê permanece um mistério durante todo o filme.

Ela chega à pequena cidade e começa a ajudar a todos, querendo ser agradável e permanecer por lá, enquanto Grucha ajuda o menino, vê que ele não seria bem tratado se continuasse com a verdadeira mãe e então foge com ele. Por mais que existam diferenças significantes em cada uma, a maneira como estão se preocupando com o outro cria uma semelhança entre as personagens.

Outro aspecto é que nas duas histórias há julgamentos em que nem sempre o que todos dizem ser o certo acontece. Em Dogville, primeiro Grace é julgada para que fique na cidade e as pessoas concordam mesmo sabendo que ela é uma fugitiva.

Depois, no final do filme ela julga as pessoas que maltrataram ela, matando todos e pensando que será melhor assim, não só para ela como para toda a humanidade eliminar aquela cidade, para que outros não sintam o mesmo que ela sentiu quando chegou.

No livro de Brecht o juiz impõe o veredicto que pensa ser o certo para ele, não de acordo com o que a humanidade e nossos costumes dizem ser o certo.

Quando resolve que o menino irá ficar com Grucha, por exemplo, o certo é que ele devesse ficar com a mãe verdadeira, mas o juiz acredita que Grucha fará o melhor por ele já que passou por tantas dificuldades e não puxou os braços dele no momento em que estava sendo julgada.

O cenário também dá a ideia do teatro. Na verdade não é o clássico cenário para cinema, mas  é como se fosse uma maquete do que seria o cenário. O fato de toda a história acontecer em um mesmo local, lembra uma peça teatral, na qual os personagens que saem da cidade ou até mesmo aqueles chegam, só aparecem no momento em que estão nela realmente.

Não conseguimos saber o que acontece fora de Dogville. Até mesmo na cena em que Grace tenta fugir, só conseguimos ver ela deitada na traseira da carreta, e ela falando o quanto está andando, temos apenas a impressão de que ela saiu e está se deslocando, mas em nenhum momento vemos isso realmente.

Mas por que Lars von Trier seguiu as ideias de Bertold Brecht? Porque ele fazia parte do Dogma 95, movimento cinematográfico revolucionário que exigia não usar cenários, nem trilhas sonoras e a câmera deve estar sempre nos ombros do cineasta. Isto explica os movimentos bruscos com a câmera, imagens meio tremidas e cortes descontínuos.

Entretanto, Von Trier usa iluminação artificial, gruas para as tomadas do alto e de certa forma possui cenografia, mesmo que não seja exuberante, e isso contraria os princípios do manifesto ao mesmo tempo em que vai ao encontro às ideias de Brecht.

Tudo isso para reforçar que estamos vendo uma representação da verdade como um faz de conta, assim como você está lendo um recorte do filme analisado a partir de dramaturgo, o que significa questionar: este texto é real? Ou uma representação dele? Será que deveríamos ter cortado ele, colorido e feito diversas coisas estranhas para você lembrar que está lendo isto? Brecth e Lars von Trier teriam feito, certeza.

Uma nova descoberta


Quem me conhece sabe muito bem que adoro fazer cursos. Sim, sou nerd de certa forma e não tenho problema para assumir isso. Nestas férias, eu não poderia ter feito diferente. Depois de tanto reclamar que estava cansada por causa da rotina trabalho-faculdade-francês, eu não aguentei e me inscrevi em um curso de férias. Mas calma lá…foi curtinho..de 1 semana só…

Desta vez resolvi me aventurar pela sonoplastia. Como não entendia NADA, fui para um curso básico que a própria Cásper Líbero ofereceu. O diferente de todos os outros que fiz por lá, é que dois amigos de sala também embarcaram na minha. Confesso que eu esperava um curso mais prático, mas tive que lembrar que era básico iniciante e que aprendi um bocado de coisas que nem imaginava que existiam. E de quebra descubro que gosto de fazer rádio.

Digo isso porque tivemos que fazer um spot de até 60 segundos. A ideia era escrever, fazer a locução e, principalmente, editar. Pois bem, os grupos foram sorteados (claro que não caí com os amigos, lei de murphy é real mesmo rs) e nosso tema era LIXO. Bolar o texto foi fácil em comparação à escolha das trilhas. É difícil editar com três cabeças pensando, mas no final tudo deu certo. Nosso spot ficou pronto e vai ao ar na rádio gazeta AM. Grande emoção!

Dedico este post a isso: o spot sobre lixo. A minha voz aparece no final, logo após a do Paulo. A primeira voz é da Izadora.

Disponível também no UOL MAIS

E aí, o que acharam? Será que tenho futuro nisso? Eu espero que sim, porque foi muito legal. Hoje é o derradeiro dia de curso. Já está batendo aquele sentimento: mas já acabou? Ok, depois eu escrevo outro post contando mais (rs).

Esse cara existe?!


No meio do frisson “Saga Crepúsculo” duvido que não haja um ser do sexo feminino, independente da idade, que não tenha alguma vez sonhado em ter o cara perfeito na vida. Vampiros e lobisomens a parte, venho falar de outra coisa, mas do mesmo assunto.

Na faculdade somos desafiados a realizar coisas que antes a gente nem parava para pensar sobre. E tem uma matéria, aliás, um professor, que adora botar nossa cabeça para funcionar. Pois bem, o tema do trabalho era discutir o que é a realidade, quem está falando a verdade e outras questões que filósofos ficaram anos discutindo e que nós da casa dos 20 anos devemos começar a refletir.

O que é a realidade? Difícil responder porque ela é uma experiência individual única já que está diretamente ligada à consciência (Edmund Husserl). Pensando que a consciência nunca é pura, é sempre alguma coisa, pode-se dizer que ela se dá a partir da experiência. Aí está o problema. Como ninguém passa pela mesma experiência que o outro, ela só tem significado dentro da consciência de cada um. É complicado fazer o outro saber o que você passou, ele pode ter uma ideia. O engraçado é que mesmo que ele passe por uma mesma situação, a experiência para ele pode ser diferente da sua.

Ficou complicado? Vamos simplificar. Desta vez, resolvi ficar na frente das câmeras e aproveitar a minha semelhança com Ana Luisa para colocarmos em prática a teoria que escrevi precariamente (a aula foi infinitamente melhor) . Livia (eu mesma) acredita que tem no namorado perfeito, mas a sua irmã Ana acha que ela inventou esse cara. (Foi por causa disso que iniciei o post falando de namorado perfeito). As duas têm certeza da sua versão da história…mas e ai, ele existe? Espero a sua resposta, mesmo que seja algo que diga para eu nunca mais atuar (rs).

Grupo: Ana Luisa Pacheco, Bruna Marques, Caio Ramos, Livia Di Bartolomeo e Mayara Picoli.

Sintonize sua história


No dia 02 de junho coloquei aqui no blog um post chamado “ Radionovela”. Nele eu falava de um programa que fizemos para a disciplina de produção de rádio. Após ouvir algumas críticas construtivas, resolvemos mudar o sentido do nosso programa.

Deixou de ser radionovela e passou a ser um programa onde as pessoas enviam as suas histórias e nós da rádio fazemos a encenação. O tema desta edição é: choro de mãe, baseado no conto escrito dia 26 de abril de 2010.

O resultado você vê aqui.

Na locução: Ana Luisa e Mayara Picoli

Voz do alfinete: Rafael Fillipini (Sintonize a sua história)

Vozes da vinheta de abertura: Mayara Picoli, Renata Canales, Marcelo Viesti e Guilherme Cintra

Alfinete Rádio Ramos: Livia Di Bartolomeo e Bruna Marques

Edição: Robertinho

Você participaria deste programa?Mandaria a sua história? Dê a sua opinião, ela é muito importante.

Radionovela


Fazer faculdade tem as suas vantagens. Na hora de fazer trabalho em grupo, as risadas são quase garantidas. Ainda mais quando nenhum integrante é ator e resolve, mesmo assim, fazer uma radionovela. É deste trabalho que venho falar.

Para a disciplina de Produção de Rádio, devíamos criar um programa: jornalístico, musical, radionovela..enfim… o que a nossa criatividade permitisse. Baseada no texto que escrevi em 29 de abril, Choro de mãe – que por si só já é baseado em fatos reais-, resolvemos fazer uma radionovela.

Como era uma adaptação, escrever o roteiro foi mais simples. Numa noite de terça-feira, na mesa da cantina, eu,  Ana Luisa, Bruna Marques, Caio Ramos e Mayara Picoli, sentamos e escrevemos o roteiro. Marcamos a gravação e fomos à caça dos sons que comporiam nosso trabalho. Resolvemos encarar nós mesmos os papeis de atores para aumentar a diversão.

Chegado o dia de gravar…altas risadas. Na hora que era para chorar, eu ri. Na hora de falar, o Caio se perdeu e a Mayara deu um show com um sotaque tirado não sei de onde. A Ana fez dois papeis graças a sua capacidade de emitir sons diferentes quando ela fala, sim ela é uma dubladora. E a Bruna como sempre atenciosa e porque ela acha que tem a voz fina, foi a criança da radionovela.

Contamos com a ajuda do Robertinho, que trabalha lá na Cásper. Ele deu uma super força na hora da gravação, mas não deixou de rir com as nossas presepadas.

Ouça pelo Uol Mais aqui

Vous parlez français?


Uma das minhas paixões é estudar línguas, em especial a francesa já que desde pequena sou fascinada pela Torre e pelas maravilhosas paisagens que, por enquanto, vejo a partir de filmes e fotografias. Em 2005 resolvi iniciar os meus estudos e hoje venho colocar aqui uma redação que tive que fazer com 10 palavras (em negrito) e que foi parar no blog da Aliança Francesa. Legal isso, fiquei feliz!

Un jour,  j’écoutais de la musique  sur  mon baladeur quand mon mentor est arrivé et m’a dit que si je n´étudiais pas, je me escagasserais dans les tests. C’était la galère quand j’ai entendu ça, mais j’ai décidé de changer ma vie.
Ma première tâche était d’écrire un essai sur un thème libre, mais je n’avais aucune idée de ce que je devais dire. J’ai zappé les boutons à la télévision et j´ai même fait un remue-méninges pour voir si je retrouvais de l´inspiration. Les idées ont commencé  à arriver, dans un crescendo….
J’ai décidé d’écrire une version du cheval de Troie. J’ai appelé mon professeur dans le mobile et il a aimé l’ idée. J’ai lui ai  envoyé une version définitive et une variante. Le résultat ? Je les ai réussis avec un 10 !

É só escrevendo para pegar a prática mesmo. E, em junho, tem Delf…vamos que vamos

Salut!

Audiopasseio – Metropolitana 98,5 FM


Este post é dedicado ao trabalho que fiz junto com a Bruna Marques para a disciplina Produção de Rádio, chamado Audiopasseio.

A tarefa era sair pela avenida paulista com gravador na mão e falar sobre alguma rádio FM. Escolhemos a Metropolitana porque era uma das rádios que as duas já escutaram e ainda escutam algumas vezes.  O desafio era escolher o que falar…tem tanta coisa…mas o formato estava claro.

Íamos ficar as duas falando para o celular no meio da rua, mesmo que o som ficasse chiado, não tinha problema, era esse o objetivo mesmo

Quanto a experiência de fazer um trabalho desse:

O texto demorou um pouco pra sair, mas no final deu tudo certo. Do jeito que estávamos dava para fazer um programa com 1 hora de duração, mas conseguimos finalizar com 22’29”.  A escolha das músicas foi fácil, bastou olhar as dez mais pedidas do mês de abril.

A parte mais difícil foi lidar com as pessoas na paulista. Primeiro um cidadão vestido de lojas Renner da cabeça aos pés queria porque queria que a gente participasse de uma pesquisa. Falávamos que não dava e o cidadão ficava insistindo em vender o cartão de crédito. Meu…como existe pessoas inconvenientes nesse mundo!  Mal nos livramos dele, dois outros pararam na nossa frente e ficaram ouvindo a gente gravar. Até aí, normal..o ser humano é curioso e não pode ver gente gravando que já acha que é famoso.

Mas as duas criaturas ficaram esperando a gente dar uma pausa para entregar panfleto! PANFLETO!!! Pelo amoooooooooooooooorrrrrrrrr !!!! Não tem mais o que fazer não? Affe…sem noção.

Enfim, tirando essas bizarrices que só a paulista oferece para você o trabalho foi muito legal de fazer. Tive dificuldade com o Sound Forge pra editar, mas nada que uma fuçada aqui e outra ali não resolvesse o problema. O resultado você pode ouvir neste link.  Mas separe aí 22’29” do seu tempo,  pois, como eu disse, nos empolgamos e tá longo.

O hábitus de cada dia


Este post eu destino ao trabalho de comunicação comparada a respeito do hábitus. Você sabe o que é isso?

Hábitus é o princípio estruturador e gerador de práticas, gosto, ações e percepções adquiridos ao longo da sua trajetória social. Em outras palavras, é o princípio que te faz agir do jeito que você age. É uma ação tão profunda que se torna inconsciente e você chega ao hábitus a partir de um longo processo de aprendizagem. Confuso? Simples, basta pensar em andar de bicicleta. Não se lembra como foi difícil aprender? Então pense em quando você aprendeu a dirigire em como você dirige agora. Parece tudo simples, certo? Mas não é bem assim.

Basta lembrar de todas as coisas que você faz sem pensar e todos os conceitos que você incorporou. Tudo é culpa do hábitus. Se dá para mudá-lo? Dá sim, mas imagine mudar uma coisa que é tão enraizada em você? É um grande desafio.

Somos bombardeados com informação e constantamente vamos reformulando nosso hábitus, isso se dá de forma automática porque somos domestificados, mas tem certas coisas que “não descem”, sabe? Imagine a seguinte situação: Você aos 20 anos sabe, provavelmente, mexer em um computador e acessar um blog – senão não estaria lendo isso aqui -, mas a minha mãe, por exemplo, tem quase 50 anos e só agora ela está aprendendo a mexer no computador. Ela tem bastante dificuldade em assimilar as coisas, enquanto que para mim é tudo muito simples. Isso acontece porque meu hábitus se rearranja o tempo inteiro enquanto que o dela está há muito tempo enrraigado. Mas, caros leitores, para ela não ficar mal, vamos inverter a situação: você acha que eu entendo tão bem de cozinha? Nem de longe. Ela com certeza sabe muito mais. Por que? Porque cozinhar não está incorporado no meu hábitus. Com o meu blog eu estou tentando incorporar ao hábitus: atualizá-lo sempre, no mínimo uma vez por semana…

Ó céus! Chega de divagar! Vamos ao trabalho. Baseado nas aulas e nesse viagem ae encima, meu grupo: Ana Luisa, Bruna Marques, Caio Ramos, eu e Mayara Picoli brincamos com duas gerações para tentar desmistificar a confusão que acabei de fazer a respeito do hábitus. A história é a seguinte: a neta pede que a avó a leve na casa da amiga.  Se interessou? Então clique aqui e ouça.

CAIXA PRETA ao vivo na rádio Gazeta AM


Esta faculdade de rádio e TV está me rendendo boas surpresas.  Na semana passada a sala recebeu uma tarefa de produzir um programa cujo entrevistado seria Paulo Lima, editor da revista Trip e apresentador-faz-tudo do programa Trip FM na rádio Eldorado.  Como estávamos para entrar em semana de provas e eu sabia que todos ficariam como zumbis, tomei a iniciativa de agilizar a produção deste programa.  O povo foi se juntando e fomos montando perguntas, pensando na estrutura do programa…tudo para no dia fazer a prova no horário anterior com calma e chegar tranquilo para a gravação que seria no estúdio de rádio normal.

Mas daí…a coisa ganhou proporções. Na segunda aula, que ocorreria o programa, ficamos sabendo que a professora deu um jeito de colocar a gente AO VIVO na Rádio Gazeta AM com a justificativa que estávamos bem organizados. Ó, céus! Foi uma odisséia!

Tudo bem que estava tudo pronto, mas foi uma pauleira! Tínhamos 10 minutos para achar trilhas, “treinar” locutores, definir fala-povo, depoimentos e vinhetas e ainda fazer um espelho decente! Coooorrreeee ….mas no final, deu TUDO certo! Os locutores destravaram rapidinho e ainda conseguiram entender as minhas mímicas de produtora (que aliás, preciso trabalhar melhor isso hehe).

Bloco 02 do programa CAIXA PRETA

Só rolou mesmo porque as pessoas se empenharam antes, durante e depois! Fiquei super feliz mesmo e estou emocionada que meu segundo programa de rádio já foi ao vivo!

Agradecimentos:

Um agradecimento especial a Camila Fink que lindamente criou o nome do programa!
A Tiemy também que ficou online no ning comigo praticamente o tempo inteiro,
ao Rafa que foi atrás das músicas,
a Mayara que deu seu jeito: na sua falta de tempo, ela conseguiu analisar o programa da Eldorado e contribuir com informações cruciais,
a Carol, mais estressada do que eu (hehe) que mandou muito bem na pré e pós-produção,
a Bruna que mais uma vez me socorreu nas pautas de cada bloco,
a Renata que teve toda a paciência comigo momentos antes de irmos pro ar,
ao Bruno Rava que pegou a bucha da produção executiva e me orientou sempre que foi preciso,
a Magaly, professora, que colocou a gente ao vivo e
aos locutores que toparam participar e mandaram muito bem! Enfim..a TODOS que de alguma forma se envolveram! Foi genial!

Pra quem ficou curioso, segue link!

Um comentário sobre “Como treinar o seu dragão”


Soluço e Banguela em "Como treinar o seu dragão"

Uma história aparentemente tosquinha surpreende nos diálogos, ou ausência deles, e na montagem. “Como treinar o seu dragão” é uma adaptação do livro “How to train your dragon” de Cressida Cowell e  conta a história do desajeitado Soluço, filho de um grande Viking.  Eles moram numa aldeia que vive sendo atacada por dragões e a função destes vikings é exterminar todos.

Ao contrário dos jovens da sua idade, Soluço é franzinho e não tem aptidão para lutar contra dragões, mas tem sede de provar suas habilidades. Numa dessas, inventa uma catapulta para capturar as feras e, por acaso, consegue prender aquele que todos temem: Fúria da noite, o dragão que só aparece à noite e destrói tudo que vê pela frente. Incapaz de matá-lo, Soluço o liberta e a partir daqui a animação ganha ritmo.

Os planos são mais curtos e a montagem bem surpreendente. Mas pra mim, o melhor de tudo foi a expressão do Banguela, nome dado ao Fúria da noite. Fiquei encantadíssima a observar como a computação gráfica vai além do esperado e consegue passar emoções que nenhum diálogo passaria. Aliás, diálogo verbal entre o menino e o dragão não existe, mas você entende perfeitamente tudo que está acontecendo.

Os diretores Dean DeBlois e Chris Sanders usaram muito bem a montagem paralela entre o crescimento do relacionamento do menino e do dragão e o treinamento de Soluço como viking.  “Como treinar o seu dragão”é uma animação da Dreamworks e na mesma linha de Kung Fu Panda e Espanta Tubarões traz uma moral da história. Neste caso, trata-se de não julgar aquele que você não conhece.

Não sou nenhuma cinéfila, mas este filme encantou tanto que resolvi falar dele aqui. Se interessou?  Dá uma olhada no trailer. A animação ainda está passando no IMAX e nos principais cinemas.

Ficha Técnica
Título Original: How to train your Dragon
Direção: Chris Sanders & Dean Deblois
Roteiro: Will Davies, Chris Sanders, Dean Deblois
Adaptado da obra de: Cressida Cowell
Elenco: Jay Baruchel, Gerard Butler, Craig Ferguson, America Ferrera, Jonah Hill, Christopher Mintz-Plasse, T.J. Miller
Produção: Bonnie Arnold
Produção Executiva: Kristine Belson, Tim Johnson
Direção de Arte: Pierre-Oliver Vincent
Supervisor de Efeitos Visuais: Craig Ring
Chefe de História: Alessandro Carloni
Chefe de Animação de Personagens: Simon Otto
Supervisor Estereoscópico: Phil McNally
Chefe de Efeitos: Matt Baer

A única coisa permanente no universo é a mudança


Este post inicia com uma frase de Heráclito (540 a.C.- 470 a.C.) para apresentar uma análise do filme “Efeito Borboleta” (2004) e a obra deste filósofo. Veja o trailer do filme.

Esta análise partiu de um trabalho de filosofia realizado em 2008. Para variar, escrevi ele com a Bruna Marques.

ATENÇÃO: ESTE TEXTO TEM SPOILERS

As pessoas que dizem desgostar de filosofia o fazem porque não entendem o pensamento expressado muitas vezes em palavras incompreensíveis ao vocabulário cotidiano do século XXI, mas também é comum encontrar diversos filmes chamados Blockbuster´s, que vendem muito e que na maioria das vezes tem seus roteiros baseados em filósofos supostamente desconhecidos para elas em razão da falta de interesse.

Um deles é Efeito Borboleta, cujo título original em inglês é Butterfly Effect. Lançado em 2004, foi dirigido e roteirizado por Eric Bress e J. Mackye Gruber. Com o protagonista representado por um dos atores juvenis mais cobiçados da época, Ashton Kutcher, o filme teve grande divulgação e multidões assistiram à história de um rapaz que, assim como seu pai, quando criança tinha surtos de falta de memória -blackouts, como chamado no filme. Em algumas cenas, esse problema do garoto causa os diversos pontos de virada observados na montagem.

Ao ficar mais velho, Evan, o personagem principal, percebe que ao ler os seus diários ele é capaz de voltar ao passado, especialmente naqueles momentos em que ele não se lembra, mas com um detalhe: ele recorda o que teria acontecido durante os blackouts. Surpreso, procura seus amigos de infância para ver se aquela visão era real. Porém, ele deixa os outros personagens atormentados causando até o suicídio de Kayleigh, personagem pela qual foi apaixonado por toda a sua infância.

Aqui começa o desenrolar da história. Assustado, ele tenta reler alguns de seus cadernos para tentar evitar o suicídio de Kayleigh e assim começa a mudar o seu passado. O grande problema é que nada permanece. Qualquer nova decisão que ele toma em seu passado deflagra nas consequências mais diversas.

Heráclito

É aqui que nos atrevemos a comparar o filme com o pensamento do pré-socrático Heráclito (540 a.C a 470 a.C) começando com uma citação retirada do livro “Convite a filosofia” de Marilena Chauí: “O mundo, dizia Heráclito, é um fluxo perpétuo onde nada permanece idêntico a si mesmo, mas tudo se transforma no seu contrário. A luta é a harmonia dos contrários, responsável pela ordem racional do universo. A nossa experiência sensorial percebe o mundo como se tudo fosse estável e permanente, mas o pensamento sabe que nada permanece. Para Heráclito tudo se torna contrário de si mesmo. O logos é a mudança e a contradição.”

É exatamente isso que ocorre com Evan. A cada mudança, por mínima que seja, causa uma contradição, quando ele decide voltar ao seu passado. Ele resolve um de seus problemas, mas outros surgem, ainda mais complexos de se entenderem e mais difíceis de serem resolvidos. Até Evan muda,não em sua relação sentimental com as pessoas que ele sempre amou, mas sim em seus gostos e sua maneira de levar a vida.  Por isso a cada nova situação vemos uma nova personalidade que ele demora a compreender e também percebe que as pessoas ao seu redor sofrem influências dessas reviravoltas. Enfim, ele está em constante metamorfose, como qualquer outro elemento da natureza.

Mais uma vez nos utilizamos de um exemplo da teoria de Heráclito. Evan seria o rio modificado, ou seja, ele nunca é o mesmo, pois “nos mesmos rios entramos e não entramos, somos e não somos”.O filósofo ainda avisou em seus excertos que os humanos devem sempre esperar e reencontrar o inesperado, pois “a incredulidade pura e simples denota um espírito obtuso e fechado ao enigma do mundo”. Pelo filme, vemos que o personagem desconhece essa teoria.

Outra questão observada no filme é que ele constantemente se refere ao tempo. Mas o que é o tempo? Para Heráclito o conceito de tempo é abstrato e existe a partir dos opostos. Ele é e não é, e está posto numa unidade e, ao mesmo tempo, está separado, ou seja, é abstrata contemplação da mudança já que o conceito de passado, futuro e presente foi convencionado, foi o ser humano que deu sentido e significado ao tempo.

Para Evan, voltar ao tempo passado era uma oportunidade de “reparar” alguns detalhes de sua vida, mas ao interferir no que foi feito, ele muda o seu presente sendo que as consequências dependerão das suas novas escolhas ao voltar ao passado, pois cada mudança que é feita, por mínima que seja, interfere em muitas outras coisas. O nome do filme explica exatamente isto. O efeito borboleta remete a teoria do caos, citada no início do filme. Este efeito foi analisado pela primeira vez em 1963 por Edward Lorenz. Esta teoria diz que o simples bater de uma asa de borboleta poderia mudar o curso natural das coisas podendo até causar um terremoto do outro lado do mundo. Mas há cientistas que dizem que o formato dos gráficos analisados quando há movimentos caóticos é de uma borboleta.

Se a borboleta influencia um terremoto ou se é mera ilustração gráfica não sabemos. O que importa é que dentro dessas duas explicações pode-se analisar o filme e a teoria de Heráclito.  A cada novo “bater de asas” do personagem, sua vida inteira sofre um terremoto e a cada “bater de asas” da própria borboleta, sua essência também muda porque de acordo com Heráclito, a única coisa que permanece no universo é a mudança.

Em oposição, podemos comparar o filme com os pensamentos de outro pré-socrático Parmênides (530 a.C. a 460 a.C.), que sustenta a idéia contrária a de Heráclito. Esse filósofo diz que a mudança é algo criado no mundo dos sentidos e que é ilusório.
Ao contrário de Heráclito que afirma que “tudo muda”, Parmênides diz que “nada muda”. Assim, por mais que suas águas mudem de posição, um rio será sempre o mesmo rio. E no filme “Efeito Borboleta” também se pode enxergar isso. Por mais que as situações mudassem, a essência de Evan, ou seja, seus sentimentos e princípios sempre continuavam os mesmos.

E o que você acha de tudo isso? Comente abaixo.

O clube de Nietzsche


Lendo o post de Camila Fink a respeito do filme “O Segredo de teus olhos” me deparei com uma citação de Nietzsche e logo lembrei que em 2009 fiz em grupo um trabalho de comparação entre o filme “Clube da Luta” (1999) e o pensamento nietzscheano. E hoje, uma das componentes do grupo me pede para reenviar o trabalho. Aí pensei: “ah, vou colocar no blog também”.Então, segue abaixo o trabalho escrito por: Bruna Marques, Bruno Ravagnani, Livia Di Bartolomeo e Mayara Picoli Rafael. Se você não gosta de spoilers, pare de ler agora.

Lavar o consumismo da sociedade de massa

A primeira vista “Clube da Luta” (Fight Club, 1999, EUA) do diretor David Fincher parece ser mais um filme superficial no qual o grande foco são as lutas para todos os lados, para a alegria dos rapazes, e a figura do Brad Pitt, para a felicidade feminina. Entretanto, uma olhada rápida na sinopse instiga as possíveis mensagens implícitas já na capa do dvd cuja imagem mostra um sabonete e o nome do filme.

Esta é a história de Jack (Edward Norton), um investigador de seguros de uma grande empresa automobilística. E logo no início do filme encontramos esse personagem redecorando a casa a partir de catálogos de móveis. E o que poderia ser algo fútil se torna interessante na medida em que ele reflete sobre o ato viciado de preencher os espaços vazios de sua casa. Jack se vê apenas como mais um escravo do consumismo que comprava tudo o que achava interessante sem saber o motivo, seguindo sempre mais um valor estabelecido pela sociedade. E para melhorar a nossa perspectiva, o personagem sofre de insônia.

Com o diálogo “…quando se tem insônia você nem dorme nem fica acordado direito.1”, Nietzsche remete este mesmo comportamento aos cristãos porque, para ele, os fiéis estão em um constante estado dormente de rebanho já que não vivem a vida plenamente por idealizarem um além-túmulo – vida após a morte-, ou seja, vivem de modo passivo sem seguir seus instintos e vontades, como são os cordeiros de um rebanho.

Esta moral de rebanho, submissão de modo irrefletido aos valores dominantes da civilização e da burguesia, é criticada por Nietzsche. A ação de Jack ao comprar todo o catálogo reflete o pensamento nietzschiano de que não somos seres humanos livres. Assim, o filósofo desenvolve o seu conceito de niilismo como uma não-crença em nenhuma verdade, moral ou hierarquia de valores pré-estabelecidos. A recusa, ou “reveja os seus valores e ouse ser você mesmo” é mais tarde retratada no filme a partir do personagem Tyler Durdern (Brad Pitt).

Quando Jack busca o médico para tratar sua insônia, é aconselhado a frequentar grupos religiosos de apoio às pessoas com câncer para que ele entenda o que é sofrimento de verdade. Deste modo, fica evidente que a sociedade está impregnada com o valor cristão de que a igreja é a única que acolhe os fracos e desesperados.

Em um desses grupos Jack conhece Bob, um portador de câncer nos testículos que devido ao tratamento desenvolveu mamas, de forma a parecer seios femininos e, ao descrever Bob, diz: “…entre aquelas enormes tetas suadas, enormes, tão grandes quantos Deus (…)”2, como uma metáfora do tamanho do poder de Deus e da Sua influência na sociedade cristã.

No filme, há dois personagens muito importantes, Marla (Helena Bonham Carter) e Tyler. Comecemos com Marla. Para o grupo esse personagem remeteria ao mito da caverna de Platão, pois ela entra na caverna das ilusões (grupos de apoio) e resgata Jack à sua realidade. Graças a ela, Jack deixa de se enganar e não acha mais conforto dentro dos grupos. Neste momento ele conhece Tyler, outro ponto em que a filosofia de Nietzsche aparece na tela.

Com Tyler, Jack é apresentado a uma nova forma de ver a vida, pois segundo o personagem a autodestruição é o que faz realmente a vida valer a pena e o homem não deve aceitar simplesmente o que lhe é dito e imposto. Esta é uma visão como o niilismo de Nietzsche, pois “um niilista é um homem que não se curva ante qualquer autoridade; nem aceita nenhum princípio sem exame, qualquer que seja o respeito que esse princípio envolva”3.

O fato de o personagem possuir uma empresa de sabonetes dá margem à interpretação de que ele veio para limpar Jack da sujeira da submissão. Esta limpeza é perceptível quando ele muda o seu comportamento conforme fica mais íntimo de Tyler.
Nietzsche, em O Nascimento da Tragédia, escrito em 1872, apresenta duas tendências básicas humanas de comportamento que entram em conflito: a tendência apolínea e a dionisíaca. A primeira é aquela que leva o homem a ter um desejo de ordem em sua vida, onde tudo possa ser o mais cristalino e claro possível e, segundo Nietzsche, esse comportamento era representado por Apolo, o Deus Sol, Deus da verdade, da moderação e da individualidade, do lazer, do repouso, da emoção estética e do prazer intelectual.

A outra tendência é a dionisíaca, que levava o homem a atos irracionais e selvagens. Nietzsche afirmava que esse comportamento era representado por Dionísio, Deus do vinho, das festas, dos bacanais.  Em outro livro, Ecce Home, Nietzsche afirma que “a realidade nos mostra uma encantadora riqueza de tipos, uma abundante profusão de jogos e mudanças de formas” e é exatamente a partir deste excerto que surge o clube da luta.

Jack, que sempre fora uma pessoa pacata e que seguia os valores estabelecidos pela sociedade, passa a se tornar uma pessoa que vê na violência e na selvageria uma forma de crescimento pessoal. Então, quando Tyler aparece sabemos que isso acontece por causa da necessidade de Jack de ter maiores alegrias em sua vida banal e rotineira. Tyler o incentivará rumo a ultrapassagem dos limites do certo e do errado e o Clube da Luta era o local onde aqueles homens revelavam seus verdadeiros instintos de animal e assumiam a vontade do poder e da força, era o local onde eles podiam ser eles mesmos, sem máscaras e também uma briga espiritual, a revolta contra a depressão que é a vida cheia de leis morais impostas aos homens.

As brigas podem ser vistas como uma forma de extravasar os instintos aprisionados pela moral burguesa, como se apanhar e bater transformasse Jack em indivíduo novamente, só que desta vez um ser humano livre. Mas, apesar de possuir características niilistas, Jack também cumpre regras, pois no Clube da Luta elas existem e são rigorosas e devem ser seguidas por todos, em quaisquer circunstâncias.

Outro momento que Jack segue e se vê vítima das regras, é quando ele inicia o Projeto Caos (para Nietzsche, os instintos humanos são o próprio caos), no qual os participantes estão proibidos de comentar com qualquer pessoa que não faça parte do projeto e, levado às ultimas consequências, Jack é quase castrado, já que essa era a regra para alguém que denunciasse a polícia sobre o Projeto, que tomou tamanha proporção que até mesmo os policiais faziam parte dele.

Ao tentar se desvencilhar deste novo rebanho, Jack percebe que Tyler não existe de verdade, mas só dentro da sua mente, o personagem de Brad Pitt é o alterego de Jack, porque ele exterioriza todos os sentimentos que estavam adormecidos. Na sociedade moderna o homem busca constantemente objetos que o definam como indivíduo, como o caso de Jack ao comprar móveis nas primeiras cenas do filme.

Esta busca reforça que o consumo é um modo de libertação, ou seja, com o capitalismo é possível gozar de felicidade por meio da compra. No filme, Jack não alcançou o gozo pelo catálogo, mas sim por meio do seu alterego. O problema está no fato de que assim como o consumidor fica preso aos produtos, o personagem se vê preso à Tyler, como um vício já que ele realiza todos os seus desejos sem frustrações.É como o cristianismo para Nietzsche, um vício do qual as pessoas não se livram. Entretanto, Jack assume uma postura nietzschiana e ousa a ser a si mesmo, matando seu alterego, dando um tiro em si mesmo, tornando-se livre.

Veja o trailer do filme

1Fala do personagem Jack. Retirado do filme “Clube da Luta”, 1999
2 idem
3 Retirado de http://ateus.net/wiki/index.php?title=Niilismo. Acessado em 15 de setembro de 2009.

 

Texto publicado no site da Cásper Líbero.

Vencedor do Casperito 2009


Quase esqueci de falar sobre isso por aqui. Com a cobertura do Oscar lembrei que eu já ganhei um prêmio, em equipe, claro.
No ano passado, o primeiro trabalho prático que tive como estudante de rádio e tv foi criar uma história sem palavras em áudio com até 1 minuto. A dificuldade foi tremenda! Como fazer isso?

Lá se foram dois sábados a tarde!! A ideia do roteiro foi tranquila: um rapaz está na casa da namorada quando o amigo chama ele pra balada. Com uma desculpa esfarrapada, ele deixa a namorada e vai curtir. No meio da festa, uma garota se aproxima e “flerta” com o cara. Ele cai na dela, mas uma amiga da namorada vê tudo e liga contando o “bafão”. Quando o cara volta pra casa, lá vem a briga. E o nome da história: “A traição“. Clique no link para ouvir.

O trabalho não foi muito bem aceito pela professora e a nota no bimestre confirmou que ela esperava mais do grupo. Porém, no final do ano aconteceu uma grande surpresa!

Lá na faculdade tem, todo ano, uma premiação chamada “Casperito” e os alunos do primeiro ano podem participar. Aliás, tem até uma categoria específica para eles. Confesso que inscrevi esse trabalho quase sem esperanças, mas na hora H fomos premiado como melhor áudio dos alunos do primeiro ano! É isso ae!! aha uhu…o Casperito foi nosso!! eheheheh

2010 tem mais!

Elenco: Bruna Marques, Livia Di Bartolomeo, Mayara Picoli, Rafael Batista e Vinícius Peres

A= namorada
E = amigo
I = amiga da namorada
O = namorado
U = a outra

Gravando!


Trabalhar no Ikwa me exige uma atividade que eu, particularmente, gosto muito: fazer reportagens em vídeo. Para mim, cada matéria é um novo desafio que me entrego de corpo e alma porque eu aprendo muito com os entrevistados e comigo mesma. A cada gravação sinto que vou dando mais um passo e ao ver a matéria no ar, sinto que estou evoluindo. E dentro disso, tem vezes que um vídeo se destaca.

E esta semana foi ao ar uma matéria que com certeza vou guardar no coração pra vida inteira. “Duas carreiras ao mesmo tempo” foi muito especial para mim nem tanto pelo assunto, mas como a equipe resolveu abordar o tema. Ela fala de pessoas que têm dois empregos e mostra como eles lidam com a rotina puxada. E eu senti na pele o que é se dividir em duas para dar conta do trabalho.

Thumb da matéria que foi ao ar hoje, 03 de março de 2010

A ideia da duplicação não foi minha, mas veio num momento muito especial. Foi muito trabalhoso gravar, regravar, trocar e destrocar de roupa, decorar texto e ainda pedir que o Ikwa inteiro ficasse sem falar alto pra gente conseguir gravar as intervenções na matéria. Mas confesso que a dor no corpo e o cansaço compensou o resultado final e me sinto orgulhosa. Só tenho a agradecer por ter participado de algo tão legal.

Espero de coração que a gente tenha mais ideias criativas assim porque além de ter aprendido muito, a diversão foi garantida. Sei que este texto tá muito meloso, mas quero deixar claro que não foi encomendado, foi só a consequência de um trabalho bem feito: satisfação.

A alegria vem junto com o sentimento de: “será que o público vai gostar?”Eu espero que sim. Se você ficou curioso para ver a matéria, acesse aqui e não deixem de comentar, aqui ou lá, o que acharam.

Para ver todas as inserções, inclusive as que não foram para a matéria, veja o vídeo abaixo.  Participação do Newman me ajudando nas falas! Valeu,  Minhoca

Volta às aulas com tudo


O ano letivo mal começou e a faculdade resolveu fechar o cerco. Nunca me vi tão cheia de coisa pra ler na minha vida como agora neste segundo ano de rádio e tv. Confesso que, apesar do medinho, to gostando do desafio. Algumas leituras exigem colocações minhas e a primeira delas foi sobre o texto “Devanio e Rádio” de Gaston Bachelard. Como tive que postar o texto na rede, resolvi colocá-lo aqui também para ver se incita uma discussão.

O que é o rádio e qual é o seu papel?

Desde sua origem o rádio tem uma magia de criar imagens mentais e despertar sentimentos em quem o está escutando. Mais que um livro, este veículo nos transporta para dentro de nós e nos permite sonhar acordado porque ele consegue a partir da leitura das palavras, despertar a nossa imaginação.

É com esta premissa que Gaston Bachelard escreveu “Devaneio e Rádio”.
Segundo o autor, vivemos no universo na palavra e por causa disso estamos sempre ocupados a falar. Cada um fala de um jeito e nem sempre nos entendemos, mas o rádio tem uma linguagem universal. Ele fala para todos e ao ouvirmos sua voz nos calamos e escutamos em paz a sua mensagem.

No princípio, o rádio era o ponto central de uma casa, era símbolo de status social e todos se uniam em volta dele para ouvir as notícias, músicas e as famosas radionovelas. Com a chegada da TV, ele perde seu lugar de destaque no coletivo e passa a ser contemplado isoladamente, facilitando assim uma segregação de conteúdo. Por causa disso, “o rádio possui tudo o que é preciso para falar em solidão, não necessita de rosto”, diz o autor. E Bachelard aponta que essa falta de rosto não é sinal de inferioridade, mas sim uma maneira de se tornar mais íntimo ao ouvinte.

A leitura do texto desperta o interesse em saber como este meio de comunicação sobrevive ainda mais num período em que tudo está misturado. Será que o rádio terá fim com as rádios online? Não se sabe, o que sabemos, segundo o autor, é que o rádio é “a realização da psique humana” e enquanto nenhum meio fizer isso, eu acredito que o rádio terá vida plena.
E como eu acredito fielmente que o rádio é para ser ouvido sozinho, gostaria muito que as pessoas usassem fones de ouvido e não obrigassem a mais ninguém ouvir o que elas tanto escutam.

Um olhar sobre “Crepúsculo” e “Lua Nova”


Eu lembro muito bem que quando era criança não gostava muito de paródias. Pra falar a verdade eu não gostava porque geralmente não conhecia a obra original. Hoje é diferente e por causa disso resolvi falar de duas em especiais.

As obras originais são as adaptações cinematográficas de “Crepúsculo” e “Lua Nova”. Sem entrar no mérito se os filmes e livros são bons, vim aqui destacar a criatividade de duas irmãs, Hilly e Hannah Hindi. Elas ultrapassaram o limite de fãs.

As paródias delas são muito criativas, cheia de humor, mas conservam o essencial de cada história. Para quem não sabe, as duas usam apenas uma câmera e são elas mesmas quem filmam, atuam e editam. Obviamente que tem uma grande equipe por trás, mas a grosso modo, o trabalho é delas. O sucesso foi tanto em “Crepúsculo” que a Summit liberou o uso do carro de Bella e alguns cenários para que elas fizessem a paródia do “Lua Nova”. É mole?rs

A fama delas está crescendo e novas paródias como Batman já foram ao ar. Quem sabe ainda o que vem por ae. Para ficar por dentro do que elas vão aprontar, entre no site “The Hillywood Show“.

Me despeço deixando os dois vídeos aqui para quem curte a saga “Crepúsculo”

Crepúsculo

Lua Nova

Lolita ganha vida na adaptação de Stanley Kubrick*


Atenção: ESTE TEXTO TEM SPOILERS

É muito comum as pessoas assistirem a um filme adaptado de romance e dizerem que não gostaram. Obviamente há uma grande diferença entre as linguagens visual e literária e é necessário entendê-las para apreciá-las. Este é o caso de Lolita, de Vladimir Nabokov, lançado em 1955, e o filme homônimo de Kubrick, de 1967.  Apesar das diferenças, os enredos tratam da mesma história: um intelectual europeu de meia-idade envolvido em assassinato e ninfolepsia, um grande escândalo para os anos 50.

No livro, a narrativa é construída por meio das recordações do narrador-personagem em primeira pessoa. Em razão disso,  a versão  é altamente duvidosa porque só se conhece os fatos e os outros personagens a partir do seu ponto de vista, logo é necessário ler nas entrelinhas. É uma confissão totalmente solipsista, porque ele justifica todas as suas ações e extrapola no egoísmo, já que não pensa em ninguém além de si mesmo e nunca dá voz aos outros personagens. O resultado é uma obra literária cheia de armadilhas, pois usa um estilo elegante para falar de coisas escabrosas, como pedofilia.

O autor pega temas chocantes e os coloca com uma tal complexidade que é provável que muitos leitores deixem de sentir repugnância e passem até a simpatizar com o personagem. Isso é reflexo da escolha das palavras utilizadas por Nabokov que, apesar de simples, são trabalhadas como as pedras preciosas tratadas pelos ourives. O texto é rico em metáforas, apresenta descrições claras que geram a sensação de estar assistindo a um filme, até o leitor lembrar que se trata de um livro. Além disso, muitas passagens são verdadeiros poemas em prosa, o que o torna encantador.

Os personagens são espelho da sociedade dos anos 50. Humbert, o narrador – personagem, um intelectual europeu de meia-idade que viaja à Ramsdale para ser professor em uma universidade e apaixona-se por Lolita, uma menina de 12 anos que adora história em quadrinhos e desdenha os filmes estrangeiros. Há também Charlotte, mãe da garota, uma típica americana de classe média que acredita ser culta por consumir tudo o que vem da Europa, pintura, frases em francês, empregados negros, religiosidade exagerada, inclusive Humbert. O protagonista vive um “romance” com Lolita, mas, após várias ameaças, acaba perdendo-a, levando a estória a um desfecho trágico.

Chama a atenção o fato de o narrador escrever de dentro de uma prisão porque matou um homem – iremos descobrir mais tarde o motivo -, por ser a historia de um encontro entre o Velho, Humbert, e o Novo Mundo, a menina. O casamento com Charlotte serve para ele ficar mais próximo de Lolita, mas a morte da esposa no momento em que ela descobre as intenções do marido cria uma situação que é um tabu pouco explorado pela literatura séria.  O enredo resultou em duas adaptações para o cinema, uma em 1962, dirigida por Stanley Kubrick, analisada neste trabalho, e a outra em 1997, por Adrian Lyne.

Vale a pena ressaltar a harmonia existente no filme, ou seja, a normalização no relacionamento entre Humbert e Lolita. Destoa do roteiro original porque no romance de Nabokov não tem nada que possa ser inserido nos padrões de um “namoro comum”. Kubrick retirou as cenas de sexo – na película há só a intenção implícita por meio dos cochichos da menina ou através dos cortes subjetivos da câmera- e o motivo seria a censura. Tudo porque na época em que “Lolita” foi filmado, a sociedade estava impregnada por  valores morais muito fortes. Se este assunto era delicado para o final dos anos 60, imagine-se quando Lolita foi escrito. O livro foi considerado pornográfico e o autor encontrou dificuldade para publicá-lo. Para evitar o mesmo destino, Kubrick encontrou outras saídas que, para quem não leu o livro, não prejudicassem o entendimento do filme.

Outra diferença na adaptação foi a omissão do narrador, pois no livro este é um papel fundamental, uma vez que o leitor é duvida da sinceridade de Humbert, enquanto que, no filme, o espectador é “levado pela mão”, quase sem chances de desconfiar de sua integridade. E os quatro momentos em que aparece voz over são de caráter informativo, como explicar para onde estavam indo após um corte temporal feito pela câmera, ou dizer que o casamento com Charlotte aconteceu, sem precisar mostrá-lo,  e isto prejudica o brilho da obra, porque a história deixa de parecer a versão de Humbert e se torna uma realidade quase incontestável sob o ponto de vista do espectador.

Apesar disso, a obra cinematográfica tenta uma aproximação ao enredo original quando Stanley Kubrick opta por uma narrativa circular. Assim como no livro, sabe-se o final do filme a partir das cenas iniciais. Isso introduziu um novo olhar para Humbert, o de assassino. Desta vez sabe-se o nome da vítima do crime, Clare Quilty, mas não o motivo. Esta inversão do enredoo é o mote do filme, cuja construção foi feita para que seja descoberto o motivo do crime.

O personagem Quilty ganhou destaque e passou a ser a voz dissonante na narrativa, dando vida ao filme. Assim como em William Wilson, de Edgar Allan Poe, ele pode ser Humbert Humbert, quando analisado pela psicanálise.

O brilho do filme está no fato de que não é possível suprimir os outros personagens, como Charlotte e Lolita, pois elas aparecem de “carne e osso” na tela e falam, mantendo as personalidades descritas no romance pelo escritor. Também foram reproduzidos muito dos diálogos, mas em razão do tempo fílmico e da pouca importância na história original, alguns personagens foram retirados, sem comprometer o entendimento. Com exceção de Lolita, que teve que ser mais velha por causa da censura, a caracterização dos personagens foi fiel ao livro.

A música tem um papel interessante, pois marca o ritmo daquela sociedade que vivia com poucas mudanças estruturais em seu dia a dia. A mesma trilha se repete ao longo do filme inteiro, assim como o comportamento das personagens. Ela só muda quando há mudança de curso. A fotografia e a luminosidade auxiliam para a construção do clima, com predominância de luzes “chapadas”, como se fosse para o espectador se concentrar na atuação, principalmente na cena do assassinato de Quilty. Nota-se que ela é expressionista pelo desempenho do ator e não pela luz, como era comum neste tipo de vanguarda cinematográfica.

Os movimentos de câmera vão por esse mesmo caminho, mas com algumas particularidades quando, por exemplo, mostram os olhares dos personagens, como as cenas de “voyeur” de Humbert, chamada de câmera subjetiva.  Os enquadramentos facilitaram a interpretação da ocorrência das relações sexuais e a enganar o moralismo do público.

Além disso, o diretor mostra, por meio de travellings e longos planos-sequência, casas, cômodos, objetos, roupas e penteados, festas e comportamento dos personagens desta sociedade ritmada de forma um tanto humorística.  O humor está presente em diversas cenas, como a armação do catre no quarto do hotel, a fala acelerada de Quilty e a repetição da palavra “normal”, quando este encontra Humbert pela primeira vez após a fuga de Ramsdale, e as piadas eróticas de duplo sentido, como as brincadeiras de Lolita no acampamento.

O que importa ressaltar é que Lolita, de Vladimir Nabokov, teve tanto impacto que, mesmo quem não sabe do que trata a obra conhece o significado da palavra ninfeta e do próprio nome da garota. É um clássico da literatura que deve ser lido ou ao menos assistido para ver o brilhantismo dessas duas figuras: Stanley Kubrick, no cinema, e Nabokov, na literatura.

Veja o trailer do filme de Stanley Kubrick

*Este foi um texto que fiz para o trabalho para a Cásper Líbero (Língua Portuguesa)

O primeiro curta a gente nunca esquece


Desde pequena eu adoro filmadoras e câmeras fotográficas. Se você não acredita, basta pedir uma daquelas fitas VHS da minha infância que você vai ver eu gritando pro meu pai: “ filma eu, pai. Filma, eu”. Pois é, o que era só registro familiar virou hobby mais tarde quando a minha família comprou a primeira JVC, estilo handcam.

O gosto pela brincadeira fez com que eu usasse a criatividade e regravasse os clipes da minha musa na época (sim, podem rir. Eu tinha 14 anos e adorava a Britney Spears). Como não tinha nenhuma técnica de edição, a gente pausava a música e a filmagem junto para mudar de cenário e lá ia o play de novo. Até hoje me surpreendo que a música nunca cortou. Ficavam bem bacanas, pena que não tenho nenhum desses vídeos mais.

Tudo mudou quando apareceu aqui em casa uma filmadora de HD. Nossa…foi sensacional! Nunca me esqueço da alegria ao descobrir que poderia passar o vídeo para o computador e gravar em DVD. Tanta tecnologia… e eu ainda não sabia mexer em nada.

Até que entrei na faculdade. Aí me encantei mais ainda. Vi pela primeira vez uma ilha de edição de perto. Confesso que era MUITO amadora, mas era uma ilha. No primeiro dia que vi a mulher capturando e editando e foi daí que eu resolvi instalar o adobe première em casa e aprender a editar na marra. Muitos foram os vídeos simples, como montagem de fotografias até chegar nas matérias de 1 minuto para a PUC.

Fui me aprimorando, lógico que com muita ajuda de amigos, até que me embrenhei em filmar festas de dança do ventre. Foi uma época de grande aprendizado, onde fucei mesmo no programa e me vi fazendo coisas que nem imaginava.

Por causa disso, resolvi encarar um grande desafio: fiz meu tcc em vídeo – um documentário a respeito de feiras livres. Um dia eu dedico um post especialmente ao meu TCC e a tudo que se passou.

Apesar de este post já estar enorme, o foco dele é o meu primeiro curta-metragem. Pra quem não sabe, estou fazendo a segunda graduação em rádio e TV e foi lá que tive a oportunidade de fazer isso.

Claro que não fiz nada sozinha, todo o trabalho foi em equipe. Confesso que foi muito gratificante ver que uma simples ideia de personagem transformou-se num curta que eu jamais esperava ser capaz de produzir.

A elaboração do roteiro não foi nada fácil e quando ficou pronto, olhamos pra ele e pensamos:  “praticamente impossível filmá-lo nas condições que temos para gravar”. Tínhamos apenas 4 horas e não podíamos ir além do quarteirão da faculdade. Mas encaramos o desafio e gravamos em 3h30. Inacreditável como tudo foi se encaixando e quando acabamos a gravação eu só olhei pra Ana, da equipe, e disse: “Fizemos o impossível, a gente conseguiu!”

Eu estava acabada de cansada, mas extremamente feliz. Quando fui editar eu me surpreendi com o resultado. E eis abaixo o trabalho que realizamos. Não ganhamos o Casperito, mas o sentimento de realização valeu por todo o esforço.

Confiram!

“Sem serviço” (2009)
Agitação de cidade grande, as pessoas sempre com a tecnologia pindurada na orelha. Neste mundo comtemporâneo há uma contradição com a ajuda de um mensageiro do passado: Hermes (Caio Ramos). Há muito tempo ele anda sem serviço por causa dos aparelhos celulares já que os humanos o trocaram pelo SMS. Até que um dia, ele percebe que Márcia (Leila Brambilla) não recebe um torpedo importante e resolve ajudá-la, entregando a mensagem ele mesmo.

Este é um trabalho dos alunos do 1 RTVC da Faculdade Cásper Líbero

Ana Luisa Pacheco, Bruna Carvalho Marques, Bruno Teixeira, Danilo Sala, Livia Di Bartolomeo e Mayara Picoli Rafael

Para quem gosta dos bastidores, confira o making of

O ritual foi feito, eram aranhas


Nesta quinta-feira, dia 4, foi o derradeiro dia de aula do “Curso teatral para não atores – Comunicação Verbal e Corporal”. Ministrado por Bruna Gasgon, tive 24 horas-aula a respeito de como vencer o medo de falar em público.

Exercício de confiança

Para quem me conhece, pode até ter achado estranho eu me aventurar num cursos desses, mas eu  fico meio travada quando vou falar e as pessoas param para me ouvir. O coração dispara, a mão transpira e a voz muitas vezes falha ou eu acabo falando rápido demais, comendo sílabas e até mesmo palavras inteiras. Já que trabalho como repórter, resolvi participar dessas aulas e confesso que foi um dos melhores investimentos da minha vida.

Eu já fiz dois cursos de locução, para rádio e TV, que foram realmente sensacionais, mas este foi o primeiro que mexeu com o emocional. O foco era administrar toda a adrenalina do meu corpo. Confesso que no primeiro dia de aula fiquei um pouco assustada com as atividades, mas resolvi me entregar de corpo e alma. Foi fácil porque todos fizeram a mesma coisa.

Tenho que ressaltar a sorte de ter entrado numa turma fantástica. Todos eram diferentes,  mas ao mesmo tempo muito parecidos. Não dá muito para explicar, tinha que estar lá pra ver.

Aprendi tanta coisa! Não só para falar em público, mas para vida também. E tem coisas que serão inesquecíveis como as atuações e superações de cada um. E, é claro, o enigma não resolvido “O ritual foi feito, eram aranhas”. Eu tenho o meu palpite do autor…mas…o mistério fica aí para quem sabe estimular um módulo II do curso, que com certeza terá a minha inscrição.

De volta ao blog abandonado


Toda vez que eu visito qualquer blog eu sinto vergonha por ter praticamente abandonado este aqui.  Meu derradeiro post foi há 7 meses…meu deus! Como pude deixar isso de lado?

Aí eu lembrei! A dúvida daquela epoca ainda está em mim: sobre o que devo escrever?

Olhando hoje para o meu quase órfão de escrita, pensei: sobre o que eu quiser, oras! O Blog é meu e eu não preciso, necessariamente, ter um tema focado.

Então, decidido! O tema que surgir, escrevo…mas e a periodicidade? Ixi….
trabalhando do jeito que estou e estudando também, não sei se terei tempo exato, mas tentarei. Prometo.

Estou de volta…isso é o que importa

Enfim, formada


28.01.2009 - Colação de grau - Jornalismo e Multimeios - PUC - realizado no TUCA

A passagem de estudante para jornalista

 

 Colação de grau – 28.01.2009 – Jornalismo e Multimeios – PUC – realizado no TUCA

Foram 04 anos acordando às 5h00 com o céu escuro…

04 anos pegando o metrô muitas vezes lotado e as filas intermináveis do ônibus…

04 anos subindo aquelas rampas e sentando naquelas cadeiras minúsculas…

04 anos para perceber que não sou mais criança…

04 anos de uma longa caminhada.

 

Antes de entrar numa universidade, imaginava um mundo totalmente diferente pelo que passei. Aliás, este mundo existiu, mas percebi que eu não precisava, necessariamente, fazer parte dele.

 

 Eu pude continuar a ser quem eu era sem ter que me adaptar para ser uma universitária. É claro que para isso, deixei de fazer muito amigos que eu sabia que dentro de 01 ano não teria mais contato. Entretanto, posso dizer com toda a sinceridade do meu coração que foram poucas, mas essenciais, as pessoas que eu hoje chamo de amigo. E elas sabem que eu não preciso nomeá-las.

 

Manter a minha essência me deixou fora de bares, baladas, JUCAs e churrascos e de muitas rodinhas, mas não vejo isso como problema porque eu desfrutei a universidade de uma outra forma. Aprendi, com uma dessas pessoas que chamo de amiga, a estudar, a pesquisar e a não ter medo de ultrapassar os limites dos trabalhos e até mesmo de vê-los de outra forma.

Foram inúmeros os domingos e feriados em que me reunia com essas pessoas para transformar os trabalhos em aprendizado e diversão. Não sinto, de forma alguma, que desperdicei meus finais de semana, pois eles foram todos mais que válidos e os guardarei com muito carinho dentro de mim, até sentirei enormes saudades.

 

Aprendi também que a teoria (e olha que foi muita) não se aplicava somente ao exercício da profissão, mas a nova pessoa em que eu pude me transformar.  Eu me olho no espelho e vejo que amadureci sem deixar os meus princípios de lado e isso me deixa orgulhosa.

 

Ontem foi a confirmação de que esses 04 anos já passaram e que, a partir de hoje, meus professores já me chamam de “colega de profissão”. É uma imensa felicidade saber que eles, os nossos grandes orientadores na profissão nos reconhecem como jornalistas e não mais como estudantes. Para mim, é o grande motivo da colação de grau.

 

Participei de todas as colações de graus: 8ª série, 3º colegial, mas nenhuma me causou a emoção de vestir a beca como ontem. Quando eu coloquei o capelo eu vi que havia completado uma fase muito importante na minha e me senti vitoriosa por estar colando o grau de uma universidade tão conceituada  num curso que faz parte de mim.

 

Os discursos foram o meu momento de reflexão. Vi os 04 anos passando diante dos meus olhos e confesso que neste momento as lágrimas caíram de felicidade.  Ao ouvir meu nome, o momento em que estava confirmado. Peguei o canudo, vi a alegria dos meus familiares e amigos presentes e gritei dentro de mim: ESTOU FORMADA!